Inizia la stagione 2026/27 del Teatro Real, e lo fa riproponendo un titolo assente dal suo palcoscenico da ben 102 anni. Si potrebbe pensare che, dopo un intervallo così lungo, il titolo scelto sia una rarità del repertorio; niente di più lontano dalla realtà: si tratta di Manon Lescaut di Giacomo Puccini, una delle opere più acclamate del suo catalogo. Il teatro madrileno salda così un debito difficile da giustificare, ponendo questa bellissima opera come titolo inaugurale della stagione.

Nonostante le buone intenzioni che accompagnano questo recupero, la sorpresa arriva esaminando il cast della prima compagnia, guidato da Sondra Radvanovsky e Michael Fabiano. Sebbene entrambi siano interpreti di riconosciuto prestigio, abituali sui grandi palcoscenici internazionali e molto amati dal pubblico, è difficile immaginarli in possesso della vocalità necessaria per affrontare due ruoli di tale difficoltà, la cui scrittura sfiora — e in alcuni momenti raggiunge — la tessitura drammatica. Molto più naturale appare invece la scelta dei protagonisti del tradizionalmente mal chiamato «secondo cast»: gli spagnoli Jorge de León e Saioa Hernández, che abbiamo ascoltato nella recita del 27 settembre.

Manon Lescaut rappresentò il primo grande trionfo di Giacomo Puccini. Andata in scena a Torino nel febbraio 1893, appena pochi giorni prima che Verdi presentasse a Milano il suo Falstaff, l’opera contribuì in modo decisivo a consacrare il giovane compositore come erede del grande maestro italiano. Giulio Ricordi seppe inoltre sfruttare commercialmente quella coincidenza, offrendo uno sconto sui diritti d’autore ai teatri che avessero programmato entrambe le opere.

Anche la critica fu particolarmente benevola nei suoi confronti: a fronte dell’accoglienza assai più severa che avrebbero ricevuto La bohème, Tosca e Madama Butterfly, la prima Manon Lescaut fu accolta con un entusiasmo della critica piuttosto insolito nella carriera di Puccini. Nonostante ciò, è difficile collocare quest’opera allo stesso livello dei tre grandi titoli appena citati. Il suo principale punto debole risiede in un libretto dalla gestazione travagliata, al quale contribuirono numerosi autori — tra cui Leoncavallo, Marco Praga, Domenico Oliva, Illica, lo stesso Puccini e Ricordi — e che risente di una drammaturgia affrettata e ricca di salti temporali. Paradossalmente, uno dei maggiori pregi dell’opera risiede proprio nella concezione drammatica della protagonista. Lontano dall’idealizzazione consueta dell’eroina romantica, Puccini presenta Manon come una vera antieroina: abbandona Des Grieux attratta dal lusso di Geronte, ma non tarda a stancarsi anche di quella vita e a tornare dal suo amante; più avanti, la sua stessa avidità la porta a fermarsi per raccogliere i gioielli che provocheranno il suo arresto. Persino nel deserto, quando la morte è ormai imminente, la sua preoccupazione resta quella di procurarsi acqua e aiuto per sé stessa. È egoista, capricciosa e persino crudele, ma proprio questa assenza di idealizzazione fa di lei un personaggio molto più complesso e interessante.

Sul piano musicale, il confronto con la Manon di Jules Massenet, andata in scena nel 1884, è inevitabile. Puccini parte da una scrittura più brusca e concentrata, a fronte della maggiore ampiezza e respirazione dell’opera francese, articolata in cinque atti e della durata di circa tre ore. Entrambe le partiture condividono una certa tendenza all’accondiscendenza melodica, più marcata in Massenet, che Puccini compensa tuttavia con un’orchestrazione straordinariamente ricca, un linguaggio armonico innovativo e una tavolozza timbrica di chiara influenza francese, attraversata da cromatismi e dissonanze che anticipano alcuni dei colori associati al successivo impressionismo francese. Il risultato è una partitura di notevole modernità, che, senza rinunciare all’effusività melodica, anticipa già alcuni dei tratti che finiranno per definire la vena verista del compositore.

Per quanto riguarda lo spettacolo offerto, la regia di Carlos Wagner dimostra che non è necessario fare qualcosa di orrendo, assurdo o apertamente estraneo al libretto per guadagnarsi il rifiuto del pubblico. Ne sono state una prova le grida di «fuori!» che si sono levate da una parte degli spettatori al termine della recita. Eppure, per quanto la proposta non arrivi mai a essere brutta — i costumi sono attraenti e le luci straordinariamente fotogeniche — finisce per danneggiare seriamente lo spettacolo a causa di un accumulo di scelte sceniche difficilmente giustificabili.

Wagner cade in pieno in uno dei vizi più frequenti dei registi contemporanei: credere che lo spettatore sia stupido e incapace di completare da solo un’ellissi. Se nel primo atto vediamo Manon partire con Des Grieux e nel secondo ricompare accanto a Geronte, circondata dal lusso, è davvero necessario rappresentare attraverso una pantomima il modo in cui abbandona il primo, sedotta dal lusso del secondo? A ciò si aggiungono i continui balletti del coro — con una sorta di coreografia da saggio scolastico di fine anno per gli uomini nel secondo atto —, l’esagerazione dei personaggi fino a sfiorare la caricatura e la trasformazione di Manon, tanto inutile quanto poco fantasiosa, in una sorta di modella erotica: da qui un numero di pole dance particolarmente ridicolo mentre risuona il prezioso minuetto del secondo atto.

Particolarmente grave è inoltre la ricollocazione del magnifico Intermezzo: concepito da Puccini per collegare il secondo e il terzo atto, in questa produzione viene spostato all’inizio del quarto. La sua posizione nella partitura non è casuale: dopo aver contemplato Manon all’apice del lusso e della ricchezza, Puccini ci fa attraversare con questa musica il passaggio verso la sua caduta, l’esilio e la morte. Spostarlo per utilizzarlo come mero accompagnamento durante il cambio di scena significa spezzare una delle grandi cerniere drammatiche dell’opera e lasciare, inoltre, un terzo atto che comincia in modo brusco. È molto difficile comprendere come una decisione del genere possa essere stata avallata dalla direzione musicale.

Alla fine, tutto sfocia in un quarto atto sconcertante e, soprattutto, profondamente anticlimatico. Tralasciando la paradossale immagine di una Manon che muore di sete nel deserto circondata da pozzanghere d’acqua, praticamente nulla di ciò che accade in scena risponde al carattere tragico e disperato della musica: Des Grieux interagisce con le figuranti — che non smettono di contorcersi, torcersi e trascinarsi sul pavimento — come se tutte loro fossero Manon, mentre lei agonizza tranquillamente seduta su un muretto. La sua morte è inoltre accompagnata dalla discesa di un enorme cerchio nero, che fa pensare più a un rapimento extraterrestre che agli ultimi istanti della protagonista. Come se non bastasse, Wagner decide di far morire anche Des Grieux, una licenza particolarmente problematica se si considera che, nel romanzo di Prévost, è proprio lui a narrare la storia.

Sul podio c’era l’affidabile Nicola Luisotti, abituale interprete dei titoli verdiani e veristi programmati dal Real. Grande conoscitore di questo repertorio, ha saputo trovare l’equilibrio tra buca e solisti, curando in ogni momento le dinamiche per permettere alle voci di imporsi su un’orchestra di notevoli dimensioni. Dalla Orquesta Sinfónica de Madrid ha ottenuto un suono brillante, potente e appassionante, anche se si sarebbe desiderato un po’ più di slancio all’inizio della partitura e maggiore tensione nell’impatto finale del secondo atto, con l’arresto di Manon. Tutto è stato ampiamente compensato da un Intermezzo assolutamente spettacolare, accolto da una grande ovazione del pubblico. Una lettura, in definitiva, molto vicina alla magnifica Bohème che Luisotti aveva offerto alcuni anni fa su questo stesso palcoscenico.

Il Coro Intermezzo del Teatro Real, diretto da José Luis Basso, ha affrontato nel primo atto una sfida considerevole, data la complessità ritmica delle parti corali. Nonostante ciò, si è mostrato imponente, espressivo e persino divertente in ciascuna delle coreografie proposte dal regista. Si è avvertita qualche incertezza nelle voci femminili all’inizio dell’opera, ma il livello generale è stato ancora una volta notevole, come ci ha abituati.

Nel ruolo di Manon, Saioa Hernández ha offerto una prestazione vocale molto compiuta, con una voce di grande peso, dal timbro scuro e con una vocalità vicina a quella di un soprano drammatico. Il suo strumento è risultato pienamente udibile per tutta la serata e particolarmente solido negli acuti, anche se è apparsa un po’ meno a suo agio nella prima metà dell’opera. A tratti ha ricordato la sua recente Butterfly, un ruolo che forse si adatta meno al suo strumento rispetto alle grandi eroine drammatiche di Puccini, in particolare Tosca, Turandot o persino Minnie de La fanciulla del West. Non sorprende quindi che in questi primi atti, quando Manon è ancora una giovane innocente e la scrittura richiede maggiore leggerezza, Hernández sia apparsa meno a suo agio. Nel secondo atto ha comunque offerto una magnifica «In quelle trine morbide», molto applaudita dal pubblico.

È nei due ultimi atti, quando la scrittura assume un carattere decisamente più drammatico, che Hernández sembra trovarsi maggiormente nel proprio elemento. Il suo intervento nel grande concertato del terzo atto è stato bellissimo, e ha raggiunto momenti di particolare emozione in «Sola, perduta, abbandonata». Al di là dell’aspetto strettamente vocale, forse è questa una delle occasioni in cui l’abbiamo vista più disinvolta sul piano interpretativo: ha saputo trasmettere la candidezza di Manon nel primo atto e, con il procedere dell’opera, trasformarla nella disperazione.

I due protagonisti maschili hanno offerto due interpretazioni assolutamente compiute. Jorge de León si è mostrato in un eccellente momento vocale e ha affrontato con pieno successo un ruolo tanto impegnativo come quello di Des Grieux, sia per volume e potenza sia per la sicurezza degli acuti. Qualche piccolo disallineamento ritmico è stato l’unico elemento degno di nota in una prova che, senza dubbio, si annovera tra le migliori che gli abbiamo ascoltato, completata inoltre da un’interpretazione debordante dell’atormentato Des Grieux.

L’altro grande trionfatore della serata è stato Szymon Mechliński, una piacevolissima scoperta nel ruolo di Lescaut. Il baritono ha costruito un ritratto del personaggio perfettamente definito, proprio come lo si potrebbe immaginare, e vocalmente non ha incontrato alcuna difficoltà, imponendosi con autorità sull’orchestra e persino sul coro nei suoi impegnativi interventi del primo atto. Merita una menzione anche il Geronte di Pietro Spagnoli, praticamente irriconoscibile sotto il trucco e la pancia finta. Sebbene all’inizio si sia avvertita una certa carenza di volume, ha acquistato presenza nel corso della serata, sostenuto da un notevole carisma scenico e da un timbro di grande nobiltà.

Diversi gradini più in basso si è collocato il tenore Albert Casals nel ruolo di Edmondo. Praticamente inaudibile in tutti i suoi interventi, ha mostrato inoltre un timbro piuttosto roco e logoro. Molto più adatto a questo ruolo sarebbe stato Mikeldi Atxalandabaso. Il tenore basco ha nuovamente dimostrato, nei panni del Maestro di ballo e del Lampionaio, la solidità vocale che ne ha fatto uno dei comprimari più affidabili di questo teatro, sebbene raramente gli vengano affidati ruoli all’altezza delle sue possibilità. Come prevedibile, è stato impeccabile in entrambi gli interventi.

Meritano inoltre di essere ricordati gli interventi di Mercedes Gancedo nel ruolo della musicista, caratterizzata anche da un simpatico costume da marinaretto, che ha sfoggiato una bella voce di mezzosoprano e una notevole verve comica. Vocalmente ha sorpreso Javier Castañeda, nel ruolo dell’albergatore e, soprattutto, nel ruolo del deciso capitano del terzo atto. Altrettanto solido è stato Javier Franco nel ruolo del sergente, completando un gruppo di comprimari che, nel complesso, ha mantenuto un livello molto alto.

Per fortuna, ancora una volta sono state le voci e la direzione musicale a salvare lo spettacolo e a permettere di godere di una serata di alto livello, nonostante una messinscena che sembrava impegnata a rendere omaggio alle peggiori manie della regia contemporanea. Un inizio di stagione che, nonostante le sue ombre, lascia una buona impressione e permette di confidare che il meglio debba ancora venire.