Rossini non avrebbe mai immaginato che quella cantata scenica concepita nel 1825 per l’incoronazione di Carlo X a Reims – un incarico politico, festoso e di assoluta immediatezza, senza alcuna aspettativa di futuro scenico – sarebbe finita, due secoli dopo, per diventare una delle partiture più celebrate del suo catalogo. Musica troppo buona per essere condannata al letargo, Il viaggio a Reims venne riciclata interamente appena un anno più tardi in Le comte Ory, con libretto nuovo e in francese. Per più di un secolo e mezzo, senza che le successive adattazioni Andremo a Parigi? (1848) e Un viaggio a Vienna (1854) lo impedissero, cadde nel più assoluto oblio. La sua resurrezione avrebbe dovuto attendere il ROF del 1984, sotto la bacchetta di Claudio Abbado e con un cast vocale formato dalle stelle del momento, che la restituì alle scene come ciò che realmente è: una brillante vetrina di virtuosismo vocale in mezzo a un guazzabuglio di situazioni sconnesse e banali; vale a dire, un’opera senza vero protagonista, dove ogni personaggio compete per lasciare la propria impronta. È per questo che non manca di senso che ormai da un quarto di secolo Il viaggio – e ancor di più nel 200º anniversario della partitura – sia il veicolo di presentazione dei giovani talenti dell’Accademia Rossiniana “Alberto Zedda”, all’interno del quadro del Festival Giovane; tanto più in questo 2025, poiché il livello dimostrato dai partecipanti è stato superiore a quello di recenti promozioni. 

Ciò che invece comincia a mostrare segni di esaurimento è la produzione di Emilio Sagi, con scenografia e costumi della compianta Pepa Ojanguren. Efficace e funzionale, sì, bianca come una moderna stazione termale, ma a questo punto prevedibilmente meccanica, persino per i suoi riprenditori. Matteo Anselmi (ricordiamo: ieri travestito da orso bruno), che la riprende da anni, riesce a mantenere ritmo e chiarezza in scena; ciononostante, sarebbe auspicabile che il festival facesse il passo verso una nuova produzione che consenta di rivitalizzare questo ormai imprescindibile rituale iniziatico pesarese. Per ora, il mio desiderio non si realizzerà per la prossima edizione, visto il desolante taglio di bilancio subito dal festival, che commenteremo più a fondo in una futura recensione de L’italiana in Algeri rappresentata quella stessa sera. 

Gli allievi dell’Accademia hanno avuto una guida di lusso in Alessandro Mazzocchetti, che ha saputo estrarre un suono trasparente dall’Orchestra Sinfonica Gioachino Rossini. I tempi, in generale convenzionali, sono stati tuttavia sfumati da un tocco personale nei contrasti e nell’accentuazione. Va sottolineato, in modo particolare, l’ammirevole lavoro svolto nei recitativi orchestrali, con attenzione precisa al testo e all’azione scenica, come è risultato evidente nel recitativo che precede l’aria della Contessa di Folleville. Per muovere un appunto, va menzionato un eccesso un po’ ripetitivo di fortissimo bandistico, a discapito di una maggiore sottigliezza dinamica. Magistrali, d’altra parte, gli assoli di flauto di Fabiola Santi nell’aria di Lord Sidney. 

Per quanto concerne il canto, è emersa sopra gli altri, in questo secondo cast, la Madama Cortese del soprano Rosalba Ducato, dal timbro carnoso e impeccabile nella coloratura e nel vertiginoso sillabato dell’aria “Di vaghi raggi adorno”. Merita una menzione speciale anche il soprano russo Laura Khamzatova come la ridicola Contessa di Folleville, che ha affrontato con disinvoltura e vis comica la sua ardua aria “Partir, oh ciel! desio”, dove ha sfoggiato un acuto ben saldo e brillante e un centro che lascia intravedere possibilità di una maggiore espansione. Ben riuscita la poetessa Corinna di Antonella Granata, risplendente soprattutto – in attesa di una maggiore varietà nel suo canto – nelle sue incantevoli, seppur reiterative, interventi con arpa, “Arpa – valga la ridondanza – gentil che fida”, nel sestetto, e “All’ombra amena”. Molto graziosa, inoltre, nel suo duetto con il Cavaliere Belfiore, esilarantemente incarnato dal tenore francese Abel Zamora, sempre disinvolto in scena. 

Un po’ più discreta è risultata la Marchesa Melibea di Anna-Helena MacLachlan, corretta nel suo intervento accanto al Conte di Libenskof di Hiroki Kono, tenore dal timbro biancastro ed estremamente fragile, ma dotato di una linea di canto elegante e di buon gusto espressivo. Huigang Liu ha offerto un Lord Sidney sobrio, con gravi ben sostenuti e un’emissione controllata. La sua grande scena “Ah! perché la conobbi?” è stata difesa con solidità tecnica e uno stile adeguato al carattere introspettivo del personaggio. Jiazhou Wang, come Don Alvaro, ha adempiuto con esattezza, sebbene devo dire – se mi si permette una nota scherzosa – che ha margine di miglioramento come ballerino di flamenco.

D’altro canto, Maurizio Bove ha composto un Barone di Trombonok simpatico e spigliato nello stile buffo. Adeguato buffo, altresì, il baritono Nicola Farnesi, nel ruolo del venditore di antichità Don Profondo, che si è guadagnato il pubblico con un’interpretazione carismatica dell’aria “Medaglie incomparabili”, giocando alle imitazioni dei diversi accenti, sulla scia del leggendario Ruggero Raimondi. Sorprendente registro grave quello del mezzosoprano Valeria Gorbunova come la furiosa Maddalena, corrispondendo in pieno al pregiudizio “cantante russa = timbro scuro”. Hanno completato il giovane cast Vittoria Brugnolo (Delia), Arina Verevkina (Modestina), Jacob Harrison (Don Prudenzio), Aldo Sartori (Don Luigino), Mateo Torcaso (Antonio) e Krzysztof Lachman (Zefirino/Gelsomino).

Come di consueto in questo contesto formativo, non c’è stato un coro propriamente detto, sicché gli interventi corali sono stati assunti dai cantanti dei ruoli secondari, risolvendosi con dignità seppur con inevitabile mancanza di corpo. È mancato, però, il coro “L’allegria è un sommo bene”, parodia di un altro coro dell’opera Maometto II, incluso nella scena finale. In ogni caso, lo spirito festoso, la freschezza degli interpreti e l’energia contagiosa che caratterizza questo progetto accademico hanno offerto ai presenti al Teatro Rossini una mattinata di musica viva e ben servita, riaffermando il valore pedagogico e artistico di questo appuntamento imprescindibile del festival.