Sebbene non sia tra le opere più rappresentate, Zelmira occupa un posto privilegiato nella produzione napoletana di Rossini. Ultima delle sue collaborazioni con il Teatro di San Carlo, questa partitura compendia ed espande le conquiste musicali del suo autore: un’esplorazione armonica di audacia insolita per il suo tempo, una scrittura vocale diabolica e, soprattutto, un’apprezzabile e originalissima orchestrazione che eleva il cigno di Pesaro al di sopra dei suoi contemporanei. Ci troviamo di fronte a un’opera difficile e impegnativa, sia per l’interprete che per lo spettatore, ma che, ben interpretata, offre una ricompensa artistica fuori dal comune. Così, dopo le due produzioni storiche di Zelmira viste al ROF (la prima nel 1995, con Mariella Devia protagonista e diretta dal compianto Roger Norrington; la seconda nel 2009, con Juan Diego Flórez e nella versione di Parigi 1826, con finale alternativo per Giuditta Pasta), nell’edizione attuale si è optato per mettere in scena la versione viennese del 1822, che incorpora, all’inizio del secondo atto, una preziosa aria per Emma, “Ciel pietoso, ciel clemente”, scritta per Fanny Eckerlin.

Detto questo, quanto è stato visto all’Auditorium Scavolini è stata un’evanescenza musicalmente stimolante, ma scenicamente disorientante. Insieme al lavoro di Barbora Horáková, Calixto Bieito firma nel suo attesissimo debutto al ROF, paradossalmente, una delle sue messe in scena meno provocatorie – sarà che con l’età si modera… –, dove la sua visione del dramma appare distante, superficiale, quasi svogliata. Si ha l’impressione che non creda del tutto nell’opera, al punto da sfiorare la versione semiscenificata. Non disturba, ma nemmeno comunica. L’idea dello spazio scenico a 360º – una piattaforma rettangolare traslucida al centro della platea, con l’orchestra situata al suo interno, in una specie di parallelepipedo – può sembrare innovativa. Nella pratica, però, compromette in modo drammatico l’acustica: ogni volta che un cantante si gira di spalle, il suono praticamente scompare.

La sensazione di disconnessione tra scena e pubblico è amplificata dall’uso erratico dello spazio e dall’introduzione di elementi scenici tanto capricciosi quanto arbitrari: Leucippo che corre in cerchio attorno al fosso, schizzando acqua nella piscina con il rumore incluso; Antenore che gioca con la terra e saluta il pubblico con addosso un orpello da veglione di Capodanno; lo zombie di Azor che trascina un albero come se fosse una flebo ospedaliera; Emma in versione dominatrix che si avvolge in un nastro magnetico uscito da una vecchia cassetta, e tutti i personaggi morti sul palco mentre Zelmira canta la sua aria finale con le mani in tasca – e poi i cadaveri le rispondono. Il susseguirsi di trovate e idee incomprensibili non si arresta, ma non impedirà di vedere che il regista burgalese resta un uomo di teatro con intuizioni interessanti. Per esempio, trasformando Ilo in un veterano di guerra dimagrito, da soldato americano con flashback del Vietnam, contrappone efficacemente l’immagine tradizionale dell’eroe che “ritorna vincitor”. Altrettanto valida appare, secondo chi scrive, la relazione tra Antenore e Leucippo, che qui passa da legame politico a una tossica storia di dipendenza emotiva e carnale tra amanti. Ciò che inizia come riflessione suggestiva finisce, però, per diluirsi tra simbolismi vuoti e figuranti erranti che non sorprendono nessuno.

Il maestro Giacomo Sagripanti, sul podio, ha dovuto affrontare un autentico rompicapo logistico: mantenere l’equilibrio tra orchestra, coro e solisti, spesso disposti a decine di metri di distanza o persino alle sue spalle. In questo senso, la sua direzione è più che meritoria: millimetrica, guidando con grande cura i cantanti, chiara nell’articolazione, con tempi generalmente rallentati ma mai pesanti, e risultando in un apprezzabile lavoro nella differenziazione di piani e tessiture. L’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, successore della consueta Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI nelle precedenti edizioni del festival, ha risposto con entusiasmo, emanando dal foso/buca dell’orchestra un suono limpido e raffinato. Menzione speciale per i soli di arpa e corno inglese nel bellissimo duetto tra Zelmira ed Emma del primo atto, e per la sezione d’archi nel preludio originale alla scena della prigione “Oh padre! il duol, l’affanno”. Il Coro del Teatro Ventidio Basso, preparato da Pasquale Veleno, ha mostrato impegno, sebbene le circostanze sceniche non siano state favorevoli: spostato ai margini del teatro e spesso obbligato a cantare statico e fuori fuoco, la sua presenza scenica è stata tanto marginale quanto sonora.

Anastasia Bartoli, subentrata al soprano Pretty Yende inizialmente previsto, si è trovata di fronte a una sfida considerevole, non solo per le esigenti richieste vocali del ruolo protagonista, ma anche per l’inevitabile raffronto con la sua brillante Ermione dell’anno precedente. Qui, pur senza raggiungere quel grado di ipnosi scenica, conferma la sua autorità vocale: uno strumento di grande volume, carnoso, incisivo, con acuti e bassi d’impatto, e una tecnica che le permette di affrontare con immaginazione le variazioni dei da capo, specialmente nel grande finale “Riedi al soglio – Deh, circondatemi”. Che il suo timbro non sia il più naturalmente rossiniano importa poco di fronte a una performance così solida. Bravissima. Dal momento che compiva gli anni lo stesso giorno della recita, Bartoli è stata omaggiata con un “tanti auguri a te” da parte dell’orchestra durante i saluti finali, un gesto simpatico accolto con calore dal pubblico.

Più discutibile l’Antenore di Enea Scala: molto esposto scenicamente, ma vocalmente piuttosto altalenante. Il ruolo, ideato per il baritenore Andrea Nozzari, richiede una flessibilità vocale che Scala possiede solo parzialmente. La sua emissione caprina, con un vibrato che talvolta sfiora il semitono, risulta grezza nell’acuto, sebbene sorprendentemente solida nei registri gravi. Sul piano attoriale, si lancia senza paura nel travestimento imposto da Bieito per il suo personaggio: perturbante, istrionico, persino ridicolo in certi momenti, ma efficace nella sua deformazione grottesca del cattivo.

Molto più aderente allo stile è stato Lawrence Brownlee nei panni di Ilo. Senza grande volume, ma con linea vocale, eleganza e fiato esemplari, ha brillato nella sua cavatina inaugurale “Terra amica”, regalando un Re5 spettacolare; allo stesso modo, il suo duetto con Polidoro è stato uno dei momenti più riusciti della serata. Nelle agilità, perfetto, nonostante un repertorio di tic e movimenti spasmodici (simili a quelli di Juan Diego Flórez) che non intacca una prestazione vocale eccezionale. Si vede così premiata l’incomprensibile assenza scenica del tenore statunitense dal festival per oltre 15 anni.

Da parte sua, la mezzosoprano Marina Viotti ha offerto una Emma di grande livello. Dal timbro caldo ed espressivo, ha brillato nella sua aria aggiunta “Ciel pietoso, ciel clemente”, cantata dalla piscina, senza che l’incomodo contesto scenico ne affievolisse la linea vocale. Molto toccante, inoltre, il già citato duetto con Zelmira “Perché mi guardi e piangi”, accompagnato solo da arpa e corno inglese, un’oasi di intimità e musicalità nel mezzo del caos scenico.

Più incostante si è mostrato il basso croato Marko Mimica nei panni di Polidoro, caratterizzato come statua vivente: voce potente, ma un canto rustico e poco raffinato, particolarmente nell’aria d’ingresso “Ah! già trascorse il dì”, numero tanto interessante armonicamente quanto ingrato. Gianluca Margheri, nei panni di Leucippo, se la cava vocalmente come può, anche se il suo ruolo di “lacché sessuale” di Antenore lo trasforma in un continuo punto focalizzante della scena. Il povero Margheri, con il suo fisico imponente, sembra sempre ricevere la scusa più labile per trovarsi in tenuta succinta… e questa non è stata l’eccezione. Paolo Nevi (Eacide in versione angelo emo) e Shi Zong (Gran Sacerdote) hanno completato il cast con dignità. Al secondo, il cui intervento vocale dura meno di dieci secondi, spetta la caratterizzazione più umiliante della produzione: un pannolino, una parrucca verde stile Grinch e un’urna elettorale vuota in mano.

Se c’è qualcosa che non è cambiato rispetto all’anno scorso sono i posti a sedere di un Auditorium Scavolini mezzo vuoto, ovvero le gradinate di un palazzetto sportivo; di conseguenza, il mal di schiena fa parte integrante dell’esperienza. Non è cambiata neanche la scarsa insonorizzazione: sentire una moto che sgomma all’esterno durante un concertato non smette di risultare ironico. Quest’anno, per la prima volta dopo molto tempo, si è fatto a meno del ben più adatto Vitrifrigo Arena. Scelta infelice. Per fortuna, Rossini e la sua musica continuano sempre a prevalere.