Il Rossini Opera Festival 2026 è stato, non c’è dubbio, un ROF diverso. Il brutale taglio di bilancio (tutto ciò che i politici toccano finisce per marcire…) al quale è stata sottoposta l’istituzione pesarese ha costretto a ridimensionare sensibilmente le ambizioni di una programmazione che, rispetto alle abituali due nuove produzioni di titoli di ampio respiro, quest’anno ha dovuto accontentarsi di una sola, affiancata da due farse – importante: senza coro, naturalmente, ché bisogna risparmiare – in riprese di produzioni storiche del Festival. Fortunatamente, tutto sembra indicare che la tempesta cominci a placarsi e che la prossima edizione restituirà al ROF una certa normalità, con tre titoli particolarmente interessanti (vale a dire La donna del lago, Adina e Tancredi) e due nuove produzioni.

L’occasione fa il ladro è la penultima delle cinque farse che Rossini scrisse per il Teatro San Moisè di Venezia. Vide la luce il 24 novembre 1812, anno assolutamente cruciale nella vertiginosa carriera del giovane compositore. In quei dodici mesi scrisse per lo stesso teatro L’inganno felice e La scala di seta, oltre ad aver conquistato appena due mesi prima il Teatro alla Scala di Milano con La pietra del paragone, il suo primo trionfo di autentica importanza. Come sarebbe accaduto tante altre volte nel corso della sua carriera, Rossini non ebbe alcuno scrupolo a saccheggiare sé stesso: la tempesta della Pietra, destinata più tardi a diventare anche il temporale del Barbiere, riappare qui trasformata in preludio, mentre la melodia dell’aria di Giocondo “Quell’alme pupille“ passa, opportunamente riciclata, alla cavatina del Conte Alberto.

Non ci troviamo, a giudizio di chi scrive, di fronte alla più ispirata delle farse rossiniane, ma anche il Rossini minore rimane Rossini: musica scintillante, teatrale e irresistibilmente godibile. Magnifico risulta, per esempio, l’originale concertato lento del quintetto, una sorta di mini-finale primo che, come accade anche nella Scala di seta, introduce all’interno di un’opera in un solo atto l’architettura e l’accumulazione drammatica proprie di un finale d’atto. Né conviene liquidare il testo di Luigi Prividali per l’apparente inanità dei suoi consueti meccanismi della farsa del primo Ottocento: identità scambiate, coppie che si ricombinano, personaggi che scoprono di amare chi non pensavano di amare… In mezzo a tanto intrigo triviale trova persino spazio la critica sociale. Così Martino descrive il suo padrone Don Parmenione: “Tutto censura e critica, benché sia un ignorante […]. È in somma di quegli esseri comuni in società“. Olé. Sono trascorsi più di due secoli e, purtroppo, questa specie non sembra affatto in pericolo di estinzione.

Se c’era una produzione che giustificava pienamente una ripresa in questo ROF in economia di guerra, era quella creata da Jean-Pierre Ponnelle per il Festival nel 1987. Il mitico regista e scenografo, artefice di tante produzioni ormai entrate nella memoria collettiva degli appassionati d’opera, sarebbe morto appena un anno dopo. La sua Occasione risultò talmente appropriata all’opera che, quarant’anni dopo, il Festival non ha ancora sentito la necessità di sostituirla. E la cosa più sorprendente è constatare fino a che punto continui a funzionare. Vedere oggi questa produzione, lungi dal sapere di naftalina o dal sembrare uno di quei fondali di cartapesta ex sovietici che alcune compagnie itineranti continuano ancora a portare nelle città di provincia, significa compiere un autentico viaggio verso quei tempi felici in cui i regisseurs intenti a distruggere a proprio piacimento i testi teatrali non costituivano ancora la maggioranza assoluta. Ponnelle utilizza, per esempio, quel teatro nel teatro oggi spremuto fino alla nausea, ma lo fa, soprattutto, con intelligenza. I macchinisti rimangono a vista e partecipano alla creazione della finzione (semplicemente geniale il momento in cui bagnano l’ombrello del Conte Alberto per simulare la tempesta), mentre Martino assume una funzione di demiurgo e maestro di cerimonie che governa lo spettacolo, scaturito da una valigia. Tutto è disseminato di piccoli gag e dettagli perfettamente sincronizzati che accompagnano la musica anziché competere con essa. Il pubblico pesarese, va detto, dalla risata fin troppo facile in alcuni momenti, si è divertito moltissimo. La ripresa è stata affidata a Sonja Frisell, storica collaboratrice di Ponnelle e responsabile di quella spettacolare e immortale Aida del Metropolitan.

Meno scintille sono scoccate sul versante prettamente musicale dello spettacolo. Alessandro Bonato, alla guida di un’Orchestra Sinfonica G. Rossini poco sonora, ha offerto una concertazione funzionale e stilisticamente scrupolosa. Tuttavia, la sua lettura è risultata fredda e calcolatrice, puramente metronomica e priva di quell’elettricità ritmica la cui assenza, nella macchina teatrale rossiniana, costituisce un vero peccato. La tempesta iniziale, più che una tempesta, è stata una pioggerellina. Non sono mancate, inoltre, alcune sbavature strumentali, tra cui un corno solista non particolarmente felice durante il cantabile dell’aria di Berenice “Voi la sposa pretendete“. La principale virtù di Bonato è stata dunque la sua capacità di accompagnare, mostrandosi straordinariamente attento alle esigenze dei cantanti, che ha assecondato e coccolato fino all’estremo. Impeccabile, come di consueto, l’accompagnamento dei recitativi affidato a Giulio Zappa al fortepiano e Jacopo Muratori al violoncello, sempre attenti e complici di quanto accadeva in scena.

Damiana Mizzi ha delineato una corretta Berenice. Il suo strumento appartiene alla tipologia del soprano leggero, ma gli acuti assumono una certa asprezza e la linea di canto non spicca precisamente per fantasia. È migliorata sensibilmente nella già citata seconda aria, dove ha potuto sfruttare con maggiore fortuna le proprie risorse nella coloratura e nel registro sovracuto.

Dave Monaco ha confermato, come Conte Alberto, le buone impressioni suscitate poco prima come Guido nell’Enrico di Borgogna veneziano. Possiede facilità nella coloratura, coraggio e, soprattutto, una disinvoltura nel registro acuto che oggi non abbonda. È stato molto applaudito dopo la celebre “D’ogni sacro impegno“, anche se interpretare questa pagina a Pesaro significa inevitabilmente evocare un fantasma: quello di Don Rockwell Blake e della sua extraterrestre “messa di voce inversa”, che sembra ancora aggirarsi per il Teatro Rossini. Non c’è dubbio che habemus uno dei tenori belcantisti più interessanti emersi negli ultimi anni, anche se non è che abbia poi vita troppo difficile, visto l’allarmante deserto che attraversa attualmente la corda tenorile rossiniana.

Magnifica anche l’Ernestina di Martiniana Antonie. Il mezzosoprano rumeno è ormai da anni una presenza abituale del ROF in ruoli secondari e riesce difficile comprendere perché non le vengano affidati impegni di maggiore spessore. Sempre disinvolta sul palcoscenico, possiede uno strumento bellissimo, vellutato e dal colore seducente, oltre a una tecnica solida che le consente di muoversi con agio nella scrittura rossiniana. Fortunatamente, appena pochi giorni dopo abbiamo potuto apprezzarne le qualità come protagonista della riscoperta della Donna selvaggia di Carlo Coccia nell’ambito del festival Il Belcanto ritrovato.

Matteo Mancini ha incarnato Don Parmenione, motore dell’intrigo che finisce per cadere vittima della stessa occasione che intendeva sfruttare. La sua imponente statura gli conferisce già di per sé una presenza ideale per il ruolo, anche se vocalmente, nonostante una corretta fattura rossiniana, si sono avvertite la mancanza di maggiore comicità, varietà e inventiva. Dal canto suo, il baritono Giuseppe Toia ha fatto del servo Martino una figura centrale della rappresentazione, rispondendo con una prova scenicamente disinvolta e di ammirevole naturalezza. Ha completato adeguatamente il cast il tenore Manuel Amati nella parte di Don Eusebio.

Il Teatro Rossini, quasi esaurito, ha tributato una calorosa accoglienza all’intera compagnia. Naturalmente, questa Occasione fa il ladro non si è neppure avvicinata al livello leggendario di alcune precedenti incarnazioni del titolo a Pesaro; nondimeno, la ripresa di Ponnelle ha ricordato ancora una volta qualcosa di elementare: anche nelle sue opere piccole Rossini è grandissimo. E grande è stato ciò che ci attendeva il giorno successivo. Le siège de Corinthe ha regalato una di quelle recite destinate a rimanere negli annali del Festival grazie a una Vasilisa Berzhanskaya (un tempo mezzosoprano, da poco passata al registro di soprano e rivelatasi qui una falcon a tutti gli effetti) in stato di grazia, probabilmente quanto di più vicino i nostri tempi possano offrire ad alcune delle grandi voci del secolo scorso. Ma di quella storica serata ha già dato ampiamente conto su queste pagine il mio collega Emilio Pappini.