La seconda farsa di questa atipica edizione del Rossini Opera Festival ci riporta nuovamente al veneziano Teatro San Moisè. La scala di seta vi debuttò il 9 maggio 1812, appena sei mesi prima de L’occasione fa il ladro, ricordiamolo, con La pietra del paragone nel mezzo. Poche circostanze rendono meglio l’idea del frenetico ritmo compositivo al quale fu sottoposto l’efebico Rossini durante quell’anno cruciale della sua carriera e quelli immediatamente successivi. E, nonostante preceda cronologicamente L’occasione, La scala presenta, a giudizio di chi scrive, una partitura di maggiore interesse, per il modo in cui Rossini seppe sfruttare un genere apparentemente minore come la farsa in un atto per farne un autentico laboratorio di sperimentazione armonica e timbrica. Eppure, il paradosso di queste due recite pesaresi ha voluto che il godimento fosse questa volta sensibilmente minore: a un’esecuzione complessivamente deludente hanno posto rimedio soltanto la geniale messinscena di Michieletto e, soprattutto, un Paolo Bordogna attore in assoluto stato di grazia.

Ma, prima della portata principale, alcuni di noi hanno avuto la fortuna di gustare un magnifico antipasto mattutino. Il basso-baritono Simón Orfila chiudeva la serie dei Concerti di Belcanto del festival davanti a un Teatro Rossini purtroppo ben lontano dal tutto esaurito, dimostrando di trovarsi in uno splendido momento vocale. La sua voce corposa ha percorso la sala con sorprendente facilità in un programma assai vario, una sorta di viaggio a ritroso nel tempo che partiva dalle canzoni catalane di Obradors, Mompou e Ribas, retrocedeva fino a pagine di Macbeth e Don Carlo e terminava, come non poteva essere altrimenti, con il Rossini buffo di “Là del ciel nell’arcano profondo” e “La calunnia”. Particolarmente memorabile il suo “Ella giammai m’amò!”, eseguito con una nobiltà e un’autorevolezza vocali che hanno fatto della scena di Filippo II il momento culminante del recital. Di autentico lusso l’accompagnamento del cristallino pianoforte del giapponese Naoki Hayashi, che è riuscito a farci dimenticare che il celebre assolo iniziale di questa scena verdiana spetta in realtà al violoncello. Hayashi ha avuto inoltre i propri momenti di gloria con due parafrasi di Liszt, rispettivamente su Le rossignol di Carlos Guastavino e La regata veneziana di Rossini. Come bis, Orfila è tornato a Rossini con “Già d’insolito ardore”, l’aria di Mustafà da L’italiana in Algeri, prima di congedarsi con una bella canzone della natia Minorca.

Tornando a ciò che ci occupa, la produzione creata da Damiano Michieletto per il ROF nel 2009 costituisce la dimostrazione perfetta di come sia possibile modernizzare e attualizzare un libretto senza per questo mandare all’aria le intenzioni originarie dei suoi autori. Quella mitica edizione, pubblicata in DVD con Olga Peretyatko nei panni di Giulia e il compianto Claudio Scimone sul podio, diede inizio a un percorso che ha portato l’allestimento in luoghi come Valencia, Liegi, La Scala, Mascate o Zurigo, al punto che oggi risulta difficile pensare a La scala di seta senza che affiorino immediatamente alla memoria le immagini concepite dal suo scenografo Paolo Fantin. Anziché innalzare le pareti dell’appartamento di Giulia, il palcoscenico ne riproduce tridimensionalmente e in scala 1:1 la pianta architettonica; le divisioni tra le stanze sono disegnate sul pavimento e le pareti semplicemente non esistono. I personaggi, tuttavia, rispettano scrupolosamente porte e tramezzi invisibili e fingono di non vedersi anche quando si trovano fisicamente a pochi centimetri gli uni dagli altri. Uno specchio inclinato sopra il palcoscenico permette inoltre di contemplare simultaneamente la geografia domestica e moltiplica le possibilità del gioco teatrale.

Michieletto comprende alla perfezione le affinità tra i meccanismi della farsa ottocentesca e quelli della sitcom televisiva. Il movimento scenico è curato con precisione millimetrica, in particolare attorno al tontolone Germano, vero protagonista dell’allestimento. Quasi vent’anni dopo, lo stesso regista riconosce che non è stato praticamente necessario modificare nulla. Naturalmente, il tempo ha lasciato qualche piccola traccia archeologica in quell’estetica così tipicamente anni Duemila: il rosso stridente dell’appartamento, gli occhiali di Lucilla, il televisore… Di fronte allo storico Ponnelle de L’occasione fa il ladro, Michieletto propone un approccio radicalmente diverso alla farsa rossiniana e, tuttavia, altrettanto valido.

Buona la prova di Iván López Reynoso, che, curiosamente, proprio a Pesaro fece il suo debutto come direttore con Il viaggio a Reims dell’Accademia Rossiniana. Alla testa dell’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, ha ottenuto un suono curato e trasparente, attento alle sottigliezze timbriche di una partitura che, sotto la sua apparente leggerezza, nasconde non poche gemme. Sarebbe stato auspicabile un pizzico di brio in più in determinati momenti, certo, ma non tutta la responsabilità può essere attribuita al maestro messicano: parte del cast ha avuto seri problemi nel seguirlo, nonostante la chiarezza del suo gesto. A farne maggiormente le spese è stato il virtuosistico e geniale quartetto “Sì che unito a cara sposa”, uno dei grandi colpi di genio della partitura, rimasto completamente sfigurato dall’accumularsi degli sfasamenti. Originalissime, d’altra parte, le incursioni di Giorgio D’Alonzo al fortepiano durante i recitativi, che riproducevano musicalmente ciascuna delle gag che si susseguivano in scena, trasformando l’accompagnamento in un ulteriore partecipante alla commedia.

Il cast si è collocato, in linea generale, al di sotto di quanto sia lecito esigere da una piazza della levatura del Rossini Opera Festival. Il dato risulta particolarmente significativo dopo che L’occasione fa il ladro, affidata in prevalenza a voci giovani e meno note, aveva offerto un risultato complessivo assai più soddisfacente. L’inizio di Hasmik Torosyan come Giulia ha fatto temere il peggio, anche se fortunatamente il soprano armeno è andato migliorando con il procedere della rappresentazione. Lo strumento suona oggi eccessivamente maturo per un personaggio di queste caratteristiche e mostra una certa tendenza a spezzarsi, circostanza forse non del tutto estranea al fatto che Torosyan stia affrontando attualmente ruoli di ben altro peso. Dispone, questo sì, delle risorse tecniche necessarie per risolvere la coloratura. Meglio nella difficile aria “Il mio ben sospiro e chiamo”, dove ha trovato un canto più saldo e si è persino avventurata in un sovracuto, sebbene con un risultato non del tutto felice.

Non ha avuto la sua serata migliore neppure il Dorvil di Alasdair Kent, uno dei principali esponenti di quella scuola tenorile anglofona caratterizzata da strumenti filiformi e da un’emissione tutta spostata indietro, in gola. Poco di positivo si può dire della sua prova vocale, al di là di una considerevole partecipazione scenica che gli va riconosciuta. Il timbro risulta francamente ingrato e lo strumento si assottiglia ulteriormente man mano che sale. Ha sofferto non poco con la selvaggia coloratura di “Vedrò qual sommo incanto”, con la voce che si è spezzata in diverse occasioni, mentre negli insiemi scompariva praticamente del tutto. Davvero questi sono i migliori tenori che il ROF è in grado di offrirci?

Più soddisfacente Mara Gaudenzi come Lucilla, l’irritante cugina di Giulia, alla quale ha conferito una comicità disinvolta senza trascurare il canto. Ha difeso con eleganza e buon gusto la sua aria di sorbetto, “Sento talor nell’anima”, pagina ispirata per quanto breve che Rossini avrebbe poi riciclato nell’Introduzione de Il turco in Italia, dove gli archi, suonando contemporaneamente sul ponticello e col legno, descrivono in maniera palpabile l’alta temperatura di una Lucilla in piena effervescenza di fronte al corteggiamento del dongiovanni Blansac.

Il basso-baritono ucraino Iurii Samoilov ha dimostrato che raramente delude. Non molto tempo fa lo abbiamo visto a Madrid in un universo radicalmente diverso, nei panni di Eugenio Onegin, e qui ha prestato a Blansac uno strumento ricco e vigoroso. La prestanza fisica e la disinvoltura scenica hanno fatto il resto nel delineare convincentemente il grossolano conquistatore di turno, anche se, va detto, la quadratura stilistica ammette ancora un certo margine di affinamento. Purtroppo questa ripresa ha rinunciato ad “Alle voci della gloria”, l’aria di baule la cui inclusione fu a suo tempo difesa da Alberto Zedda nonostante non abbia alcun legame, dal punto di vista storico, con La scala di seta.

Il tenore Enrico Iviglia ha risolto con mestiere la breve ma drammaturgicamente fondamentale parte del tutore Dormont, spremendo al massimo i suoi pochi interventi e prestandosi senza riserve alle esigenze di Michieletto, compreso il divertente momento in cui finisce anche lui per arrampicarsi sulla scala di seta sistemata sul balcone.

E lasciamo per ultimo Paolo Bordogna. O, più esattamente, Germano, perché è uno di quei personaggi che gli calzano come un guanto. Bordogna lo interpretò già al debutto di questa produzione nel 2009 e vi è tornato nella maggior parte delle successive riprese, fino a farne una creazione praticamente inscindibile dalla sua figura. La caratterizzazione, plasmata a quattro mani con Michieletto, si colloca a metà strada tra Ariel, il domestico filippino interpretato da Marco Marzocca nel programma televisivo Zelig e Mister Bean, sempre accompagnato dal suo inseparabile orsacchiotto di peluche. Naturalmente, il trascorrere del tempo comincia a mostrare qualche cucitura nello strumento; conserva tuttavia intatti il sillabato, gli accenti e una capacità di reazione degna di un grande attore. Ce ne ha offerto una dimostrazione involontaria particolarmente eloquente: rovesciato per errore un contenitore pieno di spazzolini da denti, ha reagito immediatamente dando la colpa del disastro al suo orsacchiotto. In “Amore dolcemente”, una delle pagine più interessanti del primo Rossini, ha inoltre firmato il momento migliore della serata, culminando il proprio intervento con i virtuosistici sillabati di “Quando suona mezzanotte” e ricevendo, come prevedibile, l’ovazione più fragorosa della serata.

Alla fine, questa Scala di seta ha lasciato una sensazione agrodolce: la partitura ha confermato ancora una volta, nonostante tutto, l’enorme talento del giovane Rossini; la rappresentazione, invece, è stata ben lontana dal renderle giustizia in maniera omogenea. Restano, dunque, il buon lavoro di López Reynoso e, soprattutto, due creazioni teatrali che hanno splendidamente resistito all’inesorabile trascorrere del tempo: la produzione di Michieletto e il Germano di Bordogna. Ci rivediamo nell’agosto del 2027!