Non è frequente ascoltare Iris di Pietro Mascagni, che il Teatro Real presenta per la prima volta in versione da concerto. Rappresentata a Roma nel 1898, sei anni prima di Madama Butterfly, quest’opera condivide con quella di Puccini il libretto di Luigi Illica e l’esotismo giapponese, sebbene qui lo sguardo sia assai più simbolico che realistico. Illica, prima di scrivere la tragedia di Cio-Cio-San, sperimenta in Iris quell’Oriente idealizzato, l’idea di purezza femminile e il contrasto tra innocenza e corruzione, tra castità e desiderio, tra luce e fango, incarnati rispettivamente da Iris versus Osaka e Kyoto. Il libretto, irregolare e a tratti sconcertante (il terzo atto, soprattutto), racchiude tuttavia la potente idea del sole come forza redentrice.

La musica di Mascagni, priva della forza drammatica della ben nota Cavalleria rusticana, affascina e sorprende allo stesso tempo, a cominciare dall’“alba musicale” che apre l’opera: un insolito e ricorrente solo di contrabbasso si sviluppa in un cupo divisi degli archi per sfociare in un crescendo ipnotico che culmina nel grandioso “Inno al Sole”. Questo coro di risonanze panteistiche e dal sapore di tragedia greca apre e chiude la partitura, conferendole una struttura circolare. L’orchestra si impone lungo tutta l’opera come vera protagonista: una scrittura suggestiva e raffinata, ricca di contrasti, dotata di armonie di sorprendente modernità e di un senso del colore che arriva persino ad anticipare l’impressionismo.

Il Teatro Real ha dunque fatto bene a recuperare questo titolo (al secondo tentativo; il primo, in un pandemico 2020) pressoché assente. Fortunatamente, il potere evocativo della partitura supplisce in gran parte alla mancanza scenica. E infatti, come ha riconosciuto più di una volta Joan Matabosch, direttore artistico, il suo criterio è quello di proporre in forma di concerto le opere il cui libretto – pur avendo un indubbio valore musicale – non giustifica lo sforzo, la spesa e il rischio di allestire una produzione scenica. In questo caso, bisogna dargli ragione.

Daniele Callegari, bacchetta di solido mestiere, ha firmato una direzione efficace e teatrale, sebbene più attenta all’impulso drammatico (con un eccesso di decibel che non ha tuttavia offuscato l’impressione generale) che alle sottigliezze timbriche. In un’opera dalla scrittura così mutevole e insidiosa, Callegari ha saputo mantenere saldo il discorso e tenere la tensione sempre viva. Il merito è doppio, considerando che – come di consueto in queste versioni concertanti – le prove devono essere state piuttosto limitate. L’Orquesta Sinfónica de Madrid ha risposto con professionalità, anche se il guscio acustico ha indurito un po’ il suono, rendendo gli archi leggermente secchi.

Il coro titolare del teatro, preparato dal maestro José Luis Basso, ha brillato ancora una volta per potenza e musicalità, imponendosi con autorità e, soprattutto, con un grande volume nel già citato “Inno al Sole”, accolto dal pubblico con entusiasmo travolgente. È stato, senza dubbio, uno dei pilastri della serata. Corretti nella loro intervento solista anche i membri del coro Alexander González e Íñigo Martín.

Nel cast vocale, la soprano albanese Ermonela Jaho, tanto amata a Madrid, ha affrontato il ruolo di Iris con la consueta dedizione, ma – come spesso accade – i mezzi vocali le sono risultati insufficienti. Il suo strumento, di volume ridotto ed emissione irregolare, è del tutto inadeguato a sostenere un personaggio tanto arduo quanto ingrato; lo gestisce però con intelligenza, fraseggiando con intenzione e cercando sempre la fibra emotiva del testo. Compensa – poiché qui non c’è quasi spazio per i suoi abituali acuti filati – con un istrionismo che, in un contesto da concerto, finisce per sembrare ridondante. Si è persino cimentata nel “suonare” lo shamisen. Nell’aria del secondo atto, unico momento di vero rilievo che Mascagni le concede, ha offerto un canto dolente e onesto; il suo finale, rassegnato e luminoso, è stato accolto da un silenzio rispettoso. Alcuni fischi isolati dalle gallerie sono stati subito coperti da un pubblico caloroso che ha applaudito con fervore ogni sua lacrima.

Gregory Kunde, instancabile a 71 anni, mantiene la voce in condizioni ammirevoli. Il suo Osaka è stato cantato in un forte pressoché continuo, che a tratti ha attenuato la sensualità della scrittura mascagniana, ma l’autorità scenica e la musicalità innata del tenore statunitense hanno fatto dimenticare ogni riserva, grazie a una proiezione e un metallo che molti ventenni potrebbero invidiare. Ha sfiorato l’incidente in “Apri la tua finestra”, ma si è ripreso con un duetto del secondo atto con Iris accolto dal pubblico con entusiasmo.

Il baritono Germán Enrique Alcántara si è rivelato (come già lasciava intuire il suo recente Simon Boccanegra per Opera Rara) uno degli assi del cast: un Kyoto dalla voce flessibile e dal timbro seducente, fraseggio incisivo e naturale presenza scenica. Una scelta assai più convincente di quella inizialmente annunciata – e misteriosamente sostituita – di Gabriele Viviani; un’altra di quelle pratiche del Teatro Real che il teatro sembra deciso a normalizzare, naturalmente senza alcuna spiegazione.

Jongmin Park, nel ruolo del padre cieco, ha firmato un commoventissimo “Vieni, dammi il braccio”, uno dei momenti più sinceri dell’intera serata. La sua nobiltà e lo strumento robusto hanno conferito grande dignità al personaggio. Carmen Solís ha portato musicalità ed eleganza come Dhia, con un tocco orientale un po’ stereotipato come geisha, mentre Pablo García-López ha adempiuto al suo doppio, seppur breve, compito di mercante e straccivendolo.

Nel complesso, si è vissuta una serata di notevole livello musicale, che ha permesso di riscoprire una partitura affascinante ed eccentrica nel catalogo verista. Iris non è un’opera perfetta, ma resta un lavoro singolare, di una bellezza strana e potente, in cui Mascagni lascia una delle sue pagine più personali.