Come ben noto, era previsto che questa Traviata arrivasse al Teatro Real come chiusura della stagione 2019/20. Contro ogni previsione, la pandemia fermò tutto, i sipari rimasero abbassati e il mondo intero si confinò tra quattro mura. Ciononostante, il Real fu l’unico teatro lirico del pianeta a rialzarsi quell’estate, offrendo una versione semiscenica, in piena era covid, dell’opera più popolare di tutti i tempi, con griglie dipinte sul palco per garantire il necessario distanziamento tra gli interpreti e una Violetta confinata a morire nella più assoluta solitudine.

Ora, il teatro madrileno recupera la produzione che il destino ci aveva strappato nel 2020, nientemeno che la mitica Traviata ideata per il Festival di Salisburgo del 2005 dal regista tedesco Willy Decker. Successivamente, l’allestimento ha calcato i palcoscenici di mezzo mondo, diventando una sorta di icona pop operistica, tanto che è ciò che viene in mente a molti appena si pronuncia “Traviata”. È inoltre responsabile del lancio nel firmamento lirico della coppia Netrebko-Villazón, entrata da allora nell’immaginario collettivo come la Violetta e l’Alfredo del XXI secolo.

Che dire, dunque, della produzione di Decker, vista e rivista? Il concetto scenico di Decker è tanto chiaro quanto inflessibile: un palcoscenico spoglio, grigio, dominato da un enorme orologio che scandisce l’inesorabile passare del tempo… Il suo disegno austero e quasi clinico sostituisce la frivolezza dell’alta società parigina con una freddezza disumanizzata, non molto diversa da quella che regnava nelle funzioni pandemiche del 2020, quando agli interpreti era assolutamente proibito il contatto fisico. L’idea centrale – la morte e il tempo come assi portanti del dramma – funziona ancora a livello concettuale, vent’anni dopo, ma il contenitore scenico, dominato dalla monocromia grigiastra e da un kitsch floreale, mostra segni di logoramento. C’è ben poco margine per l’elemento umano in un ambiente così depurato; forse è per questo che l’emozione non arriva mai del tutto. E infatti, l’impressione generale è stata quella di una serata in cui tutto sembrava al suo posto, ma mancava l’anima.

La funzione che recensiamo è stata diretta da Francesc Prat, direttore assistente, che ereditava da Henrik Nánási, direttore titolare della produzione, e secondo quanto affermano la maggior parte dei critici – chi scrive queste righe lo verificherà di persona a breve, smentendo o confermando – una lettura poco raffinata dal punto di vista sonoro, povera di dettagli e troppo pesante. Personalmente, la sensazione che mi ha trasmesso la concertazione di Prat è stata di una costante insicurezza, soprattutto nei recitativi, dove si sono percepiti certi problemi nel tagliare il suono o nel raccogliere i cantanti. I suoi tempi, in generale, hanno risposto metronomicamente alla più assoluta convenzione interpretativa dell’opera, cosa senz’altro preferibile rispetto ai tempi letargici presumibilmente imposti (come sembrano indicare alcuni video che circolano in rete, registrati clandestinamente durante rappresentazioni precedenti) da Nánási. Nonostante ciò, Prat è riuscito a estrarre un suono notevole da un’Orchestra Sinfonica di Madrid molto poco ricettiva e in modalità pilota automatico, ricreando, di tanto in tanto e in mezzo a una generalizzata piattezza, atmosfere interessanti, ed esigendo tensione nei momenti di maggiore pathos. Magnifici e precisi, d’altra parte, i musicisti della banda interna in tutte le loro apparizioni.

Il Coro Intermezzo, sotto la direzione di José Luis Basso e con tutti i suoi membri caratterizzati come uomini, ha offerto ancora una volta una prestazione di alto livello; mai detto fu più appropriato, poiché nel primo atto furono costretti, a causa delle genialità della regia, a cantare dall’alto, compromettendo la loro proiezione e causando degli sfasamenti in “Si ridesta in ciel l’aurora”. Più riuscito è stato il loro intervento nella festa del secondo atto, dove amalgama, intonazione e presenza scenica non hanno lasciato spazio a dubbi, regalandoci un finale d’atto commovente. Né il coro né il suo direttore hanno potuto ricevere il calore del pubblico, non essendo apparsi nei saluti finali. Sembrava che avessero molta fretta di andarsene a casa non appena esaurito il coro interno “Largo a cuadrupede”…

Questo secondo cast vantava una protagonista ideale, Adela Zaharia, che ha offerto una Violetta impeccabile sia vocalmente che sul piano attoriale, anche se sarebbe stato auspicabile un pizzico di emozione in più da entrambi i lati. Non siamo di fronte a una voce particolarmente singolare o seducente; né la rumena si distingue per fantasia nel suo corretto fraseggio. Tuttavia, possiede altri pregi importanti: il centro è corposo, la coloratura lodevole, e affronta con inappuntabile sicurezza i passaggi più virtuosistici della partitura verdiana. Dopo un inizio un po’ freddo, Zaharia ha incantato il pubblico con un più che dignitoso “È strano – Sempre libera”. Commovente nel duetto con Germont padre e in “Amami, Alfredo”, il suo “Addio, del passato” è stato, di gran lunga, il momento più acclamato della serata.

Il tenore peruviano Iván Ayón Rivas, impegnato dall’inizio alla fine, ha incarnato un Alfredo Germont impetuoso e ha mostrato un timbro bello. Se si distingue per qualcosa, è precisamente per una zona acuta brillante e pulita, come ha dimostrato in “O mio rimorso”, la pagina di maggiore rilievo per Alfredo (come di consueto, il da capo e il breve passaggio strumentale che lo precede sono stati tagliati senza pietà). Una nota scherzosa, se mi è consentita: per quanto si cercasse di evitare certi pensieri intrusivi, la differenza di statura tra Zaharia e Ayón Rivas non passa, di certo, inosservata. Ovviamente, nulla da recriminare al di là dell’aneddoto, poiché queste cose, purtroppo, non si scelgono.

In linea con il suo Ezio nell’Attila in forma di concerto precedente, il baritono polacco Artur Ruciński, un Giorgio Germont poco autoritario e contenuto nella sua componente scenica, ha dato nobiltà al suo personaggio e ha dimostrato un’elegante linea di canto, con un “Di Provenza il mar” canoramente impeccabile ma poco emozionante. Naturalmente, anche il da capo della sua bellissima cabaletta “No, non udrai rimproveri” è stato vittima del taglio.

Buon livello generale, inoltre, tra i personaggi secondari, che hanno assolto con sicurezza ai rispettivi compiti. Particolare menzione per Gemma Coma-Alabert nei panni di Annina, per Karina Demurova come Flora, e per il veterano Giacomo Prestia, sebbene segnato da un certo logoramento vocale, come l’onnipresente dottor Grenvil. Completavano il cast Tomeu Bibiloni come un barone Douphol dalla voce imponente, David Lagares come marchese d’Obigny, Albert Casals come Gastone, Joan Laínez come Giuseppe e Ihor Voievodin come cavalliere.