Con Otello, estrenado en la Scala de Milán en 1887, Giuseppe Verdi se despidió de la ópera italiana tal como la había concebido y dominado durante medio siglo. Después de Aida y tras dieciséis años de silencio operístico, muchos daban por sentado que el maestro de Busseto había colgado la pluma. Pero la insistencia de Arrigo Boito y la fascinación eterna de Verdi por Shakespeare terminaron por convencerle. El resultado fue esta tragedia shakesperiana destilada en música: un drama sin números cerrados, donde cada escena fluye hacia la siguiente con una continuidad teatral casi inédita en la tradición italiana. Si Macbeth había sido el laboratorio y Aida la culminación de la gran maquinaria verdiana, Otello es la obra que abre la puerta a otra modernidad que consumará con Falstaff (esos “Era la notte, Cassio dormia” o “Questa è una ragna” puestos en boca de Iago constituyen todo un vaticinio de lo que vendrá en 1893), gracias a una orquestación de una densidad, complejidad y originalidad que no solo supera con creces sus propios logros anteriores, sino que sirve de puente directo hacia la futura paleta sonora pucciniana.

El Teatro Real ha decidido inaugurar su temporada 2025/26 con este título colosal, recuperando la fallida producción de David Alden, estrenada en 2016. La propuesta de Alden es visualmente fea y anodina: un único espacio monótono, derruido, árido, casi vacío, que termina transmitiendo poco más que sopor. La acción se traslada a un siglo XX indefinido que, sin aportar gran cosa, más bien resta. Por un lado, la caricaturización de los personajes se resiente: un Otello reducido a un mentecato infantiloide por aquí, una Desdémona mojigata sin personalidad por allá, y lo más grave, un Iago de chichinabo en el que no se atisba ni rastro de la toxicidad sutil que debería impregnar con cada gesto el personaje baritonal más retorcido a la par que fascinante de la historia de la ópera. Para rematar, el escenario se llena de figurantes-zombies retorciéndose en coreografías gratuitas y molestas, de dudoso gusto. La resolución final con las muertes de Desdémona –¡absoluta genialidad colocar a Desdémona durante la canción del sauce pegada a la pared lateral derecha, para que solo pueda ser vista por los espectadores situados en localidades perfectamente centradas!– y Otello resultó poco menos que anticlimática, carente de impacto. Visualmente, hay ideas solventes aunque harto trilladas, todas ellas relacionadas con la iluminación y el juego de sombras; no obstante, en conjunto se acaba por rozar una versión en concierto con figurantes.

Nicola Luisotti conoce a la perfección a Verdi y siempre lo dirige con innegable oficio. Esa familiaridad se percibe en la médula de su lectura: como de costumbre, no faltan energía y pulso firme, a los que la Orquesta Sinfónica de Madrid responde con solvencia. Ahora bien, la velada se le escapó en decibelios, con una sección de percusión y unos metales desbocados que arrasaron con la sutileza de la partitura en más de una ocasión. Sus tempi, en general ortodoxos, no estuvieron exentos de altibajos: el gran concertante final del tercer acto, auténtico corazón dramático de la obra, quedó lastrado por un carácter excesivamente solemne y falto de tensión dramática –encomiable, eso sí, la sección de metales en el interno–. Afortunadamente, el dueto de amor con que se cierra el primer acto respiró con amplitud en la cuerda (mención especial para el cuarteto de violonchelos), y el inicio del acto cuarto alcanzó ese terciopelo doliente tan necesario en su atmósfera.

El coro titular del Teatro Real, a los mandos de José Luis Basso, estuvo –para sorpresa de nadie– soberbio, con un arranque impetuoso desde la tempestad inicial, obsequiándonos con una auténtica lección de ataque, empaste y una proyección que, incluso en pugna de decibelios con Luisotti, terminó por imponerse tanto en “Una vela!” como en el concertante del tercer acto. Los Pequeños Cantores de la ORCAM aportaron frescura y delicadeza en su intervención desde el interno “Dove guardi splendeno”.

El papel titular, estrenado por Francesco Tamagno, es todo un Everest para cualquier tenor: requiere potencia bruta y, al mismo tiempo, una capacidad infinita de matiz, desde el arrebato guerrero del “Esultate” hasta la desolación del “Niun mi tema”. El digno debutante Brian Jadge suele destacar más por lo primero que por lo segundo. Potencia –aun recién convaleciente, circunstancia que conviene ponderar–, desde luego, hay; agudos con metal brillante, también (aunque luego en algún agudo en pianissimo se rozase el accidente). Sin embargo, la dicción italiana es su mayor debilidad (ese italiano «made in USA»…), y el centro se queda corto en cuanto a variedad y esmalte. Su “Esultate!” de presentación pasó sin pena ni gloria, y a su “Dio! mi potevi scagliar” probablemente le faltaron matices; ahora bien, no se puede negar una entrega honesta de principio a fin. Con todo, Otello pide hoy por hoy más de lo que Jagde –ni prácticamente ningún tenor en activo– puede ofrecer al 100%: color, acento y una psicología que aún no parece completamente asimilada. Confiamos en que siga rodando el papel en posteriores presentaciones.

Por su parte, Gabriele Viviani fue un Iago monolítico, monocorde y aburrido, incapaz de mostrar la doblez psicológica del personaje –la puesta en escena y la caracterización del personaje tampoco es que ayudaran mucho, precisamente– Vocalmente, Viviani resolvió la parte con corrección y un instrumento sonoro que no resultó suficiente para hacernos pasar por alto la monocromía de su fraseo. Recordemos que Iago, más que pitbull, es una serpiente, y su “Credo in un Dio crudele” careció de veneno.

Por tanto, la triunfadora indiscutible fue Asmik Grigorian, uno de los animales escénicos más magnéticos del panorama actual, aunque aquí, encorsetada por la insustancial dirección escénica, no tuvo posibilidad alguna de desplegar su potencial. Desdémona no es un papel que explote, a diferencia de Rusalka (aún permanece en el recuerdo la Rusalka hipnótica que ofreció en este mismo teatro en 2020), Jenůfa o Salome, su lado más incandescente, pero incluso en este molde de soprano angelical la lituana supo imponerse. Su dueto del primer acto con Otello, “Già nella notte densa”, fue pura belleza, y su escena final (canción del sauce y Ave Maria) se convirtió en el gran momento de la noche, haciendo gala de pianísimos de seda, un legato impecable y una emoción sincera difíciles de hallar hoy día. Quedó, no obstante, la sensación de un caudal artístico parcialmente desaprovechado, atrapado en un rol menos afín a sus cualidades canoras y sin posibilidad de explotar –como digo, Alden es el culpable– sus capacidades escénicas. Afortunadamente, quienes tuvimos la suerte de presenciar el magnífico recital de canciones rusas de Tchaikovsky y Rachmaninov que ofreció dos días después en este mismo escenario, pudimos reconciliarnos con la Grigorian en el que es su territorio natural.

Entre los secundarios, Airam Hernández ofreció un Cassio solvente, con timbre grato y presencia; la veterana mezzo Enkelejda Shkoza demuestra que aún conserva potencia con su Emilia, e In Sung Sim aportó nobleza y, sobre todo, rotundidad, en su breve Lodovico. Albert Casals (Roderigo) y Fernando Radó (Montano) cumplieron con corrección en sus efímeros cometidos.

En suma, lo que debía ser una inauguración de temporada de altura se quedó en otro ejemplo de la mediocridad a la que parece abonado el Real en sus grandes títulos; un Otello correcto, pero alarmantemente rutinario y globalmente decepcionante. Ni la fea puesta en escena de Alden ni la por momentos chundachunera dirección de Luisotti lograron elevar la función. El reparto se sostuvo gracias a una Grigorian de gran altura, mientras Jagde y Viviani quedaron en evidencia ante roles que les superan. Por supuesto, ningún problema mientras continúe la tendencia habitual en éste nuestro querido teatro, en que el público bravea y aplaude a rabiar cualquier cosa que se le ponga delante: competiciones para ver quien suelta el «¡bravo!» (o brava o bravi en el caso de los aplaudidores más doctos) mejor proyectado, ovaciones en pie como si hubiéramos asistido a la función del siglo –no quiero ni imaginar el panorama de la jornada inaugural, en que se reúne toda la socialité madrileña–… Qué menos que alegrarse por su deleite y regocijo, mientras uno no puede evitar sentir cierta envidia de ese optimismo desbordado.